The Cards - Generation Jukebox (2023) Internacional

O poderoso trio internacional de rock clássico The Cards, com o guitarrista fundador original dos Saxon Paul Quinn, lançou seu segundo álbum, Generation Jukebox, pela gravadora independente holandesa Spaceage Productions. Acompanhando seu álbum de estreia autointitulado de 2019, esta antologia de dez faixas inclui os singles lançados anteriormente "Kong Kong", "The Hermit" e "The Gamble".
A banda, que também conta com o cantor/baixista americano Harrison Young (de Doro e UDO) e o baterista holandês Koen Herfst (dos Vandenberg), começou a escrever o álbum no início de 2020, durante uma turnê pela Europa, sem saber de uma variedade de obstáculos drásticos que espreitavam no horizonte.
No entanto, a banda começou a trabalhar, tanto nas suas bolhas separadas, quanto eventualmente em conjunto no estúdio na Holanda, em abril de 2021. Esta sessão de estúdio lançou as bases para as músicas que compõem seu último lançamento.
Estilisticamente, as músicas do Generation Jukebox abrangem toda a história do rock, da motown ao metal e ao rock moderno das rádios. Foi uma escolha deliberada do trio afastar-se da estrutura estritamente “blues rock” de seu álbum anterior em favor de um som mais eclético.

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Foghat - Sonic Mojo (2023) Internacional

Foghat foi formado na Inglaterra em 1971, mas realmente encontrou seu sucesso na América do Norte. Desde sua estreia em 1971, eles tiveram vários singles de sucesso, mas eram principalmente uma banda de álbuns e tiveram vários álbuns bem recebidos por fãs e críticos. Eles dominaram as estações de rádio FM durante a década de 1970. Com o passar dos anos os membros mudaram, e para seu novo álbum, Sonic Mojo , apenas o baterista Roger Earl permanece na formação original. Sua formação atual inclui Bryan Bassett (guitarra), Rodney O'Quinn (baixo) e Scott Holt (vocal, guitarra). Sonic Mojo é o primeiro álbum de estúdio desde o muito bem-sucedido Under The Influence (2016) e, de certa forma, continua de onde o álbum parou.
Foghat tem feito muitas turnês e como tal eles têm um som muito compacto e unificado. A música é diferente dos Foghat de antigamente, mas isso faz sentido, visto que a formação não é o que era no passado. Em termos de Sonic Mojo , a faixa de abertura "Little Bit Of Everything" é exatamente o que é entregue no álbum. A música em si é a entrada perfeita para o álbum, com uma melodia forte, letras inteligentes e um excelente solo de guitarra. Mas não é um hard rock direto ou uma jam de blues. É uma música rock bem estruturada. E isso é verdade para o álbum. Eles mergulham em outros géneros, mas este é um álbum de rock com infusão de blues.
“I Wish I Had Been There” é um exemplo disso. Isso é mais country do que rock, embora os solos e a construção estejam lá, mas no coração da música ouve-se country/rock e “Song For Life” tem uma vibração dos Eagles fluindo através dela. Essas músicas se encaixam perfeitamente no catálogo dos Foghat, mas oferecem algo um pouco diferente para os fãs e isso é sempre bem-vindo. Outras vezes a banda solta seu tipo de rock pesado. O cover de “Mean Woman Blues” é um excelente exemplo. Mas é em “Black Days, Blue Nights” que a banda acelera a todo vapor. Os fãs que desejam seu som mais antigo irão apreciar este.
Sonic Mojo termina com um belo boogie sulista em “Promised Land”. Isto é o que Foghat faz tão bem, e a interação das guitarras é fantástica. Isso pode ser dito ao longo do álbum. A musicalidade é top e a banda dá tudo de si, seja com uma música que escreveu ou uma que fez um cover. Algumas músicas são emprestadas de outros artistas, como “Drive On”, que não ficaria fora de lugar num álbum dos ZZ Top.
Uma banda com a história dos Foghat tem muito pouco a provar na sua longa carreira. E ainda assim, como banda, eles garantem que seus álbuns sejam de alta qualidade e que os fãs gostem da música. Eles não estão tentando reinventar a roda até agora, mas incorporam pequenas diferenças e novos estilos para manter as coisas interessantes. Sonic Mojo é um álbum bem elaborado, e se a rádio FM ainda existisse hoje, este seria um produto básico do rádio.

Jesse James Dupree - Breathing Fire (2023) USA

É sempre bom ver músicos de verdade ansiosos para continuar arrasando: o vocalista dos JACKYL, JESSE JAMES DUPREE, lançou um novo álbum no dia 10 de novembro chamado “ Breathing Fire ”. A ideia do disco nasceu do bom e velho Rock N' Roll.
O vocalista dos AC/DC, Brian Johnson, ligou para Dupree do nada, enquanto Jesse estava contemplando e pensando em novas músicas. A dupla colaborou pela primeira vez em 1997 na música “Locked and Loaded” de Jackyl, um rock eletrizante em que Dupree e Johnson trocaram os vocais nos versos. Eles rapidamente se tornaram amigos e colaboraram novamente em “Kill the Sunshine” do álbum de 2002 da banda, Relentless.
Agora Johnson coescreveu com Jesse duas novas canções intituladas “Never Gets Old” e “Rappa De Pappa”, e não apenas duetos com ele, mas também numa nova versão de “Kill the Sunshine”. Então um novo álbum surgiu quase espontaneamente, com Jesse compondo novas faixas com seu filho Nigel e o baixista do Jackyl, Roman Glick.
“Breathing Fire” é toda emoção, sem frescuras, hard rock tradicional, riffs Harley-Davidson conduzidos e com aqueles vocais graves e clássicos. O vídeo com a letra do single principal “Never Gets Old” esconde uma peça do quebra-cabeça do rock. À medida que o vídeo avança, os espectadores verão fontes atemporais. Cada um é uma pista, uma conexão com uma banda lendária que moldou as trilhas sonoras de nossas vidas.
Com “Breathing Fire”, Dupree reacende o fervor do rock and roll, estabelecendo mais uma vez sua presença indomável na indústria musical. Este álbum mostra seu compromisso duradouro em entregar rock puro. Se tu estás pronto para te deixar levar por riffs eletrizantes e melodias contagiantes, não percas o novo lançamento escaldante de Jesse James Dupree.
Aumente o volume e deixe o rock and roll rugir!

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POST DA SEMANA : Temple Balls - Avalanche (2023) Finlândia

Temple Balls. Quem são eles? O que eles são? Tenho tentado descobrir o significado do nome deles desde que ouvi a banda finlandesa pela primeira vez em 2021 com seu terceiro álbum de estúdio, Pyromide . Tu deves dizer que o apelido é único, se não memorável. Com a força do álbum, Temple Balls excursionou pela Europa com os mestres suecos do metal melódico H.E.A.T. Mais tarde, eles marcharam durante a temporada de festivais de verão no seu país natal. Agora o quinteto regressa com o seu quarto long player, Avalanche , permanecendo no selo Frontiers Music.
De forma característica e consistente, Temple Balls continua a tocar melódico metal rock. Desfocando a linha, os Ballers facilmente ultrapassam a cerca entre o hard rock e o heavy metal. Para os primeiros, o ritmo e o groove rock estão presentes; para o último, os riffs são agudos e estrondosos, o ritmo ambicioso. Ambos os géneros compartilham solos épicos. Então, as canções de Baller são envolvidas em melodia, harmonia vocal e refrões memoráveis.
O que contribui para uma revisão simples, fácil e talvez curta. Ou seja, com Temple Balls, tu sabes o que vais ouvir. Desde a entrada, tu obténs heavy melodic metal rock rápido e pesado. A harmonia das guitarras duplas impulsionadas pelo groove das seções rítmicas leva a solos de guitarra climáticos. Se tu gostas de melódico metal rock com guitarra, está no lugar certo. E não há pausa para alguma balada. O que resta são algumas sugestões de músicas, favoritas, por assim dizer.
O que é difícil de escolher porque são todos fantásticos. Talvez minha deferência vá para aquelas músicas que exploram alguma sensibilidade AOR: Prisoner In Time, All Night Long, Dead Weight (belo começo de bateria), Strike Like A Cobra e Lonely Stranger. Outro destaque foi Stone Cold Bones, mais pesado e firme, que, imaginei, se arranjado de outra forma poderia ter uma orientação mais blues (talvez como uma música dos Cinderela).
Tudo considerado, Avalanche dos Temple Ball é um álbum sólido, revigorante e divertido de seu melódico rock metal característico, movido por guitarras duplas. Talvez até o melhor álbum deles até agora.

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Bloody Dice - Bloody Dice (2023) Dinamarca

Bloody Dice da Dinamarca lançou seu primeiro álbum e eles começaram bem com a faixa-título da banda de abertura, que é um rock robusto e atmosférico que, se ainda não for um single, então provavelmente deveria ser. Este início promissor é seguido pelo boogie de “Machine” que vem completo com letras sobre “lutar contra o homem” e o mundo tecnológico de hoje e seus problemas decorrentes.
“Live For Today” canaliza o David Coverdale da era Lovehunter da banda e é aí que as coisas descem para um território bastante genérico com “Thorn In Their Side”, “The Conflict” e “Road To Ruin” todas caindo nessa categoria específica. Nada de inerentemente errado com nenhum deles, exceto o fato de que é difícil discernir um do outro, até que “Slave” restaure um pouco o equilíbrio e seja outro single em potencial.
A extensa “Hangover”, de oito minutos de duração, é obviamente muito pessoal e entregue com paixão, mas não parece realmente ir a lugar nenhum e ultrapassa suas boas-vindas em pelo menos alguns minutos. A animada “My Own Way”, liderada pela harmónica, oferece outro vislumbre do que os membros da banda são obviamente capazes de fazer antes de outro passo em falso com “Evil Desire”, oferecendo letras sobre bruxos e duendes que me fizeram apertar o botão de desligar. Os decadentes “Vigilante” e “Backdoor Man” são uma dupla de blues rockers bastante bons que terminam o álbum de maneira semelhante a como começou - em alta.
A produção é nítida e os membros da banda estão em ótima forma. A guitarra de Nickie Jensen é impecável, assim como a seção rítmica de Kenneth Olsen na bateria e o baixista britânico Stuart O'Neill . O vocalista Dagfinn Joensen - que alguns devem se lembrar de sua passagem pelos Fate - é extremamente apaixonado em cada música, mas realmente são as músicas que são o principal problema aqui, pois elas simplesmente não são memoráveis o suficiente no geral. Bloody Dice certamente não segue a máxima “menos é mais”, já que a maioria das faixas ultrapassa a marca dos quatro minutos e, apesar dos melhores esforços da banda para incutir qualidade em cada uma delas, a maioria de suas músicas apenas não deixe uma impressão duradoura. Isto é uma pena, pois o desempenho de Bloody Dice como entidade merece um material muito melhor.

Dirty Honey - Can't Find The Brakes (2023) USA

Dirty Honey continua a elevar a fasquia tanto para o novo rock como para os artistas independentes. Seu último álbum baseia-se no som produzido no álbum autointitulado completo de 2021 – não deve ser confundido com o EP autointitulado de 2019 – mas demonstra uma abordagem mais refinada nas suas composições. Nem é preciso dizer que Can't Find The Brakes é um disco de rock essencial para 2023.
O álbum abre com a reflexão melódica de “Don't Put Out The Fire”, uma música que, por um breve momento, conecta a banda ao rock alternativo moderno com um som que lembra City And Colour, antes de entrar num irresistivelmente funky suporte. Pensa nos Aerosmith em 1976, só que mais moderno. De muitas maneiras, “Don't Put Out The Fire” dá o tom para Can't Find The Brakes , ao mesmo tempo que significa uma mudança no som da banda à medida que eles continuam a expandir seu alcance dentro da sua vibração rock característica dos anos 70. Se isso te deixa preocupado, a banda apoiou isso com o single inicial do álbum, “Won't Take Me Alive”, um hard rock que faz jus aos seus álbuns anteriores e é excecionalmente mixado e produzido com linhas elétricas e harmonias vocais flutuando sem esforço de alto-falante para alto-falante com uma sensação de sutileza.
Can't Find The Brakes continua com as nove faixas restantes cheias de destaques. “Dirty Mind” é impulsionada por um riff tão desprezível que daria a Slash um motivo para fazer uma pausa, enquanto “Roam” traz um sentido moderno de balada para os vocais de Marc LaBelle se elevarem acima. “Rebel Son” e “Ride On” se aprofundam no blues rock dos anos 70, enquanto “Satisfied” e “Get A Little High” entregam um rock de alta voltagem com ritmos fortes. Do início ao fim, não há um momento de fraqueza em Can't Find The Brakes , tornando-o, sem dúvida, o lançamento mais forte de Dirty Honey até hoje.
O som de Dirty Honey está profundamente enraizado no rock dos anos 70 e, assim como Rival Sons, eles se destacam como uma das bandas de rock clássico mais emocionantes da atualidade, evitando os clichês que parecem datados e impedem que sua originalidade voe alto. Can't Find The Brakes parece um ponto culminante de seu EP e álbum anterior. A banda soa cheia de vida enquanto aprimora suas composições num território ainda mais desenvolvido. No final das contas, Can't Find The Brakes se destaca como seu melhor disco até o momento e deve demonstrar ainda mais que Dirty Honey está entre as bandas de rock mais promissoras e emocionantes de nosso tempo.

The Curt Towne Band - At It Again (2023) USA

Baseada em Jacksonville, Flórida, a The Curt Towne Band foi formada em janeiro de 2013. Curt e James eram amigos há vários anos e suas futuras bandas costumavam se apresentar por perto. Ocasionalmente, eles se juntavam à banda um do outro no palco para tocar. Certa vez, eles fizeram isso na inauguração do Parque Ronnie Van Zant em Lake Asbury, Flórida. Pessoas vieram de lugares tão distantes como o Japão para esta ocasião especial por seu amor e respeito pela família Van Zant e pela música de Lynyrd Skynyrd. Eles tocaram músicas clássicas do Skynyrd para deleite da família e dos fãs. Quando eles tocaram “Call Me the Breeze”, Melody Van Zant caminhou até a frente do palco e colocou o famoso chapéu “Texas Hatters” de Ronnie Van Zant na cabeça de James, causando uma impressão duradoura em todos aqueles que tiveram a sorte de estar lá naquele dia.
Algum tempo depois, Randall Hall, ex-integrante da Allen Collins Band e Lynyrd Skynyrd, contatou Curt sobre a reforma da Randall Hall Band. Imediatamente Curt sugeriu James Aaron nos vocais. Foi nessa época que James apresentou pela primeira vez “Long Live My Country” para Curt. Curt sugeriu uma ponte para a música e nasceu sua primeira composição musical. Infelizmente a Randall Hall Band teve que ser suspensa.
Imediatamente Curt brincou com a ideia de formar sua própria banda. Ele formou a The Curt Towne Band depois de ter a seção rítmica e algumas músicas originais no seu currículo. Ele ligou para seu amigo de longa data, James Aaron, para ver se funcionaria. Os dois concordaram em fazer uma jam e Curt deu a James uma cópia da música que se tornaria “Whatcha Gonna Do”. No dia seguinte, a banda e James tocaram juntos pela primeira vez. Inspirada na música de Curt e nas lutas da época, “Whatcha Gonna Do” foi a primeira música tocada juntos como uma banda. A decisão foi clara: Curt encontrou seu cantor e parceiro de composição.
Logo depois a banda entrou no Martell Studios e gravou “Long Live My Country”. Curt levou a gravação para seu amigo de longa data, Johnny Van Zant, para saber sua opinião. Johnny adorou imediatamente, tanto que convidou Curt e a banda para tocar no próximo Simple Man Cruise. Isso teria um impacto duradouro na banda. Esses Skynyrd Cruises ajudaram a lançar as carreiras de artistas como Zac Brown, Blackberry Smoke e outros no passado. Permitiu que pessoas de todo o mundo desfrutassem do Southern Rock e Country durante uma semana de diversão e música.
A banda rapidamente fez amigos de todo o mundo; Alemanha, Austrália, Inglaterra, França, Espanha e País de Gales, sem mencionar todos os Estados Unidos. Cada noite o público dobrava, incluindo membros do Lynyrd Skynyrd, Blackberry Smoke, Foghat e muitos outros. Logo as pessoas estavam pedindo que a banda se apresentasse em seus países ao redor do mundo.
Desde então a banda gravou seu primeiro EP e agora lançaram o seu primeiro álbum. Eles continuam a ser convidados especiais procurados por bandas como Lynyrd Skynyrd, Molly Hatchet, Montgomery Gentry e Blackberry Smoke. Ao longo do tempo forjando amizades duradouras com bandas e públicos nacionais e estrangeiros. O foco está sempre, como diria Curt, em “Manter a música honesta, sincera e sincera. Seja por termos vivido nós mesmos ou através de experiências de outras pessoas. Sempre mantendo-o genuíno e real.”

The Struts - Pretty Vicious (2023) UK

Bom momento, bons rockers The Struts estão de volta com uma gloriosa coleção de faixas que nos lembra o quanto sentimos falta desta majestosa e antiga banda de rock 'n' roll.
'Too Good At Raising Hell' abre ofertas e imediatamente tu sabes que não está mais no Kansas, a festa começou e tu não voltarás para casa até altas horas da madrugada! A faixa é apenas um hino de festa sublime e alegre que dá vontade de levantar e sacudir a bunda a noite toda! 'Pretty Vicious', a faixa-título do álbum, é uma música com um tema mais sombrio, mas fácil de ouvir, um banco sólido de composições que chamou nossa atenção para The Struts ainda está lá e tu vais cantar junto com as letras gloriosas e a melodia viciante todo o tempo.
Esse será um tema contínuo em todo o álbum, The Struts fácil para os ouvidos, fácil para a mente rock 'n' roll é exatamente o que é necessário num momento como este, o mundo, caso não tenha notado, é uma espécie de FUBAR no momento e se tu precisares de uma rota de escapismo, é esta.
Envolve-te em onze faixas gloriosas que, independentemente do que a rotina diária esteja jogando em ti, irão levar-te para o teu lugar feliz! Pretty Vicious é o quarto álbum de estúdio da banda e desde sua formação em 2012 eles estão em ascensão, seu estilo extravagante e habilidade musical chamaram a atenção de muitas cabeças e os shows ao vivo da banda são um dos destaques de qualquer turnê no Reino Unido. Esses músicos representam e hasteiam a bandeira daquelas bandas de rock clássico da velha escola que abriram o caminho para eles brilharem, como Queen, David Bowie e Marc Bolan, para citar apenas alguns, mas o tipo de rock 'n' roll etéreo que foi perdido no ataque moderno que vê Kemper em vez de Marshalls ou Vox e autotune em vez de talentos reais e brutos. Aqui não, nenhuma besteira é permitida.
Todo mundo precisa de uma banda como The Struts em suas vidas e, mais especificamente, de um álbum dos Struts nas suas vidas, como tantas pessoas, todos nós pousamos em bandas diferentes em momentos diferentes de nossas vidas, alguns podem ter se juntado ao comboio da alegria dos The Struts desde o dia um, então talvez pegar uma boleia com Pretty Vicious e isso é tudo, baby! Esta é a beleza da música e a magia da jornada da vida como fã de uma banda, tu podes entrar e sair, tu podes ser totalmente psicopata se quiseres (mas não faças isso) ou podes deixar a música fluir sobre ti como a água nas costas de um pato e nunca te envolveres totalmente, cada um na sua. Mas deixa-me dizer- te agora, 2023 e o regresso de The Struts com Pretty Vicious, é hora de abraçar todas as coisas do clássico rock mais uma vez, desenterrar aquelas Levi's vintage, vestir o casaco de pele sintética de tua mãe e entrar na cena de shows local porque de 23/24 está ficando glamouroso, baby!
O último lançamento dos The Struts, Pretty Vicious, é uma obra-prima musical, não há uma faixa má neste álbum, um álbum perfeitamente elaborado que nos lembra porque o British Rock ainda é tão relevante como sempre.

Svartanatt - Last Days On Earth (2023) Suécia

“Last Days On Earth” é o terceiro álbum de estúdio da banda sueca de rock Svartanatt, e segue sua estreia autointitulada de 2016, bem como seu segundo álbum de 2018, “Starry Eagle Eyes”. Gravado no Svenska Grammofonstudion, Last Days On Earth oferece 11 novos temas de rock retro contundente. Enquanto continua a construir sobre a base sólida de rock influenciado pelos anos 60 e 70 de Svartanatt, o álbum apresenta paisagens sonoras ainda mais variadas e cativantes do que antes, onde órgãos melódicos e arranjos de guitarra interagem com uma seção rítmica compacta e sólida, tudo coberto com os vocais únicos e expressivos da compositora Jani.
A banda comenta:
“Há muita desgraça e tristeza neste álbum, pelo menos nas letras. A fé na humanidade, na sociedade e na própria existência nada mais é do que uma memória. Enterrado sob um monumento que diz “seus dias estão contados, bem-vindo ao inferno”. Mas a perda de um homem é o ganho de outro. O que surgirá das cinzas? Criatividade e diversão não faltaram na gravação deste álbum. Há muito Svartanatt clássico, mas também uma expansão do som. Na última faixa do álbum, Where I Belong, Lars Heaster (pai de Daniel) tocou um trompete épico que conduz o álbum até o pôr do sol. Mágico, se assim podemos dizer.
“Last Days On Earth” foi gravada por Martin Borgh, que também mixou o álbum. Masterizado por Hans Olsson Brookes (Bombus, Spiders, Graveyard, Blues Pills). Com guitarras melodiosas, órgãos pesados, bateria de alta energia, linhas de baixo descoladas e vocais nítidos e únicos, Svartanatt cria seu próprio som de rock atemporal que foi reconhecido em todo o mundo.

POST DA SEMANA : Angra - Cycles Of Pain (2023) Brasil

Angra nasceu em São Paulo, Brasil e lançou um álbum de estreia altamente respeitado chamado 'Angels Cry'. Isso foi em 1993 e mesmo que o momento não fosse o melhor para as bandas de metal, o Angra conseguiu conquistar uma base de fãs muito sólida com seu metal progressivo.
Com um pequeno hiato entre os anos de 2007 e 2009 os Angra continuaram lançando discos fortes e agora é 'Cycles of Pain' que sai do ambiente seguro do estúdio e se apresenta aos fãs.
Com quase uma hora de música, os metaleiros sul-americanos apresentam uma produção que mostra a banda em muito boa forma. Os Angra permanecem fiel aos seus fundamentos musicais e refinam o seu som nas últimas novidades.
Trabalhar neste álbum não foi fácil, mas as circunstâncias também ofereceram muita inspiração para um disco que é ardente, mas também reflete tempos e momentos dolorosos. O pai de Rafael Bittencourt faleceu e Andre Matos, primeiro vocalista da banda, também deixou este mundo muito cedo. Além disso, a pandemia tomou conta do mundo e tu podes sentir essa dor no novo álbum. Ao mesmo tempo, a esperança está sempre na ordem do dia e que com solidariedade é possível superar os momentos difíceis.
O décimo álbum da banda contém todas as marcas registadas do A-Z. Faixas rápidas como 'Generation Warriors' estão presentes e a majestosa 'Dead Man on Display' onde melodia, riffs de guitarra e complexidade unem forças para formar um headbanger forte. As estruturas progressivas também estão muito presentes em 'Tide of Changes Part II', faixa que segue uma espécie de introdução chamada 'Tide of Changes Part I'.
'Cycles of Pain' dá justamente o nome ao álbum, pois é uma música multifacetada em que os Angra mostram do que são capazes. O som do piano, os vocais emocionantes de Fabio Lione, mas também o trabalho filigranado da guitarra de Bittencourt são os pilares deste épico cinematográfico.
Outra nuance interessante de 'Cycles of Pain' chama-se 'Vida Seca' em que a cantora Lenine, bastante conhecida no Brasil, faz uma contribuição como convidada. Assim, é também a música que melhor encarna a herança brasileira.
Produzido por ninguém menos que Dennis Ward, 'Cycles of Pain' também apresenta um som poderoso e cheio de nuances que combina com o caráter conceitual do álbum.
'Cycles of Pain' é um ótimo álbum que mostra os Angra no seu ponto mais forte. Ótimas músicas e uma produção soberba mostram porque o metal progressivo e melódico é sempre um prazer para os ouvidos.

Pattern-Seeking Animals - Spooky Action at a Distance (2023) USA

Quase considerado prolífico, e talvez o próximo icônico, Pattern-Seeking Animals (PSA) lança seu quarto álbum de estúdio em apenas cinco anos, Spooky Action At A Distance . PSA foi formado pelo colaborador de Spock's Beard, John Boegehold (keys, bgv, produção) como uma saída para seu próprio material original (que pode não caber em Spock's Beard). Boegehold recrutou os colegas Beard Ted Leonard (vocal, guitarra), Jimmy Keagan (bateria, bgv) e Dave Meros (baixo, bgv) para dar vida a seus arranjos. O novo álbum segue um rumo um pouco diferente ao gravar num estúdio completamente diferente com um engenheiro diferente dos discos anteriores. Além disso, um conjunto de cordas ao vivo de seis instrumentos foi usado na balada Underneath the Orphan Moon.
Os ouvintes acharão Spooky Action At A Distance outra saída consistente e criativa desses assistentes progressivos. As referências clássicas do progressivo neoclássico de cinco décadas do género são evidentes. Mas os fãs encontrarão PSA entre seus pares atuais, como The Flower Kings, Transatlantic, Frost e Jonas Lindberg & The Other Side, entre muitos outros.
Dito isto, PSA tem muitos pontos fortes musicais, começando com composições fortes que se baseiam em melodias finas e harmonia vocal formidável nos arranjos. Depois disso, o tecnicismo do programa informa os arranjos por movimentos e contribuições individuais dos membros. Mas essa criatividade e inovação nunca se direcionam aos refrões de uma música, melodia, harmonia ou refrões.
Não há dúvidas da presença do teclado de Boegehold como base composicional nas músicas. Observa a melodia do piano em Underneath The Orphan Moon ou as camadas significativas do teclado em The Man Made Of Stone ou He Once Was. Mas os outros músicos são importantes. Os vocais suaves de Ted Leonard são superados apenas por solos de guitarra excepcionais que são abundantes e duradouros ao longo deste álbum, com Summoned From Afar e The Man Made Of Stone como favoritos. Depois, há a seção rítmica: Jimmy Keegan não poderia estar mais firme no seu ritmo; A linha de baixo de Dave Meros surge em What Awaits Me e Window To The World, onde complementa os sintetizadores.
Por último, embora já tenha mencionado muitas músicas, gostaria de chamar tua atenção para três especificamente. Uma delas é a já mencionada balada Underneath the Orphan Moon e a orquestração. Em segundo lugar, He Once Was e o delicioso saxofone. E por fim, a última música Love Is Still The Light e sua harmonia vocal apaixonante, principalmente no refrão. (Acho que também ouço um pouco de sax.)
Tudo dito de forma simples, Spooky Action At A Distance de Pattern-Seeking Animals é outro álbum fantástico, criativo e divertido de seu melódico rock progressivo característico.

Frozen Rain - One Mile From Heartsville (2023) Bélgica

Os tesouros europeus do melódico rock / AOR FROZEN RAIN estão finalmente de volta com seu terceiro álbum em 11 anos, “ One Mile From Heartsville ” a ser lançado pela Lions Pride Music em 3 de novembro de 2023.
Fundada pelo tecladista Kurt Vereecke, o álbum de estreia autointitulado da banda foi lançado em 2008 e contou com os ídolos de Kurt e músicos-chave na cena melódica, como Tommy Denander, Steve Newman e Daniel Flores. Em 2012, a banda lançou seu segundo álbum, “Ahead Of Time” incluindo uma formação ainda mais internacional, incluindo os vocais fortes do talentoso Carsten Schulz.
Onze anos depois… Kurt finalmente reativou FROZEN RAIN e completou este terceiro álbum “One Mile From Heartsville”, uma coleção de AOR maravilhosamente atado ao teclado, guitarras melódicas fortes e a voz suave do sueco Lars Edvall, elogiado pelo próprio Steve Lukather por sua interpretações de músicas do Toto em 'Fanfields Tribute to Toto'.
A faixa 2 'Move On' só vale este CD: é assim que o último álbum do Journey deveria ter sido. Mas todas as músicas são incríveis. Não cometa erros; “One Mile From Heartsville” do FROZEN RAIN é um dos melhores lançamentos de AOR/Melodic Rock do ano!
Enraizado na mais pura tradição AOR, este álbum entrelaça melodias resplandecentes e refrões contagiantes. A infusão de novos talentos é evidente, com o guitarrista Jens Ambrosch e o vocalista Lars Edvall liderando a carga sonora.
A versatilidade de Lars vai além de suas proezas vocais, pois ele cria composições cativantes sob o apelido de “Beatlife”, enriquecendo a tapeçaria sonora do álbum.
Um momento crucial surge quando a odisseia musical de Frozen Rain se cruza com o legado de Roy Nichol, o eminente baterista dos April Wine, uma instituição canadiana conhecida por sucessos no topo das paradas como “Just Between You And Me”, “I Like To Rock” e “Roller”. ”. A colaboração adiciona uma camada dinâmica ao álbum, ressoando autenticidade e inovação.
A lista de convidados continua com Fran Alonso, guitarrista do conjunto espanhol AOR Hackers e o maestro de guitarra Roger Ljunggren (T'Bell, Niva), realçando a paisagem sonora multifacetada do álbum.
A jornada de Frozen Rain é um amálgama de visão criativa, ressonância global e busca incansável pela excelência melódica. O espírito de Journey, Mecca, Toto, Tommy Denander, Grand Illusion, etc está por toda parte aqui…
Acredite, valeu a pena esperar 11 anos por “One Mile From Heartsville” de Frozen Rain. Kurt dedicou o tempo necessário para selecionar as melhores músicas novas, aperfeiçoá-las ao extremo, recrutar músicos excelentes e obter uma produção cristalina. É um prazer ouvir esse álbum do início ao fim.

The Dead Amigos - Denim Egos (2023) Austrália

Uma das bandas de blues e funky rock mais enérgicas do planeta, com a energia mais louca e selvagem no palco, The Dead Amigos lançou o seu tão aguardado álbum ‘Denim Egos’ no Bergy Bandroom na sexta-feira, 13 de outubro.
Eles não apenas estão lançando seu álbum, mas também será um show de despedida para sua primeira turnê no Reino Unido, indo para tocar no Hard Rock Hell e passando algumas semanas enlouquecidas!
Eles serão acompanhados pelo turbilhão sempre rock/alt/punk que são Bloody Ripper e o excelente Jag.

Station - And Time Goes On (2023) USA

É um clichê que existe desde antes da época da discoteca e que se mostra errado repetidas vezes. Na visão do quarteto nova-iorquino Station, o melódico rock nunca morreu e eles não estão querendo salvá-lo, mas apenas arrastá-lo de volta para o primeiro plano, onde ele pertence. Ganchos fortes, refrões que tu vais cantar muito depois de ouvi-los e uma ética de trabalho tão forte quanto os riffs têm sido o cartão de visita da banda desde sua formação em 2011.
Cofundada pelo guitarrista Chris Lane e pelo vocalista Patrick Kearney, os Station são baseados na Cidade de Nova York, mas já percorreram o país tendo tocado em Rocklahoma três vezes, bem como no M3 Festival, Musikfest e centenas de shows no Mississippi e além.
A banda, que também inclui Emi Asta e Tony Baptist, dividiu o palco com nomes como Y&T, Pat Benatar, Lynch Mob e Dio's Disciples, enquanto criava fãs onde quer que tocassem, graças a um show de alta energia e à música que os músicos escreveram.

Sorcerer - Reign Of The Reaper (2023) Suécia

Os guerreiros suecos do metal Sorcerer têm uma história interessante para contar, especialmente quando se trata da banda em si. Aconteceu em Estocolmo, na Suécia, que Johnny Hagel e Tommy Karlsson decidiram formar uma banda. Os músicos atuaram como Sorcerer e lançaram duas demos. Porém, com a mudança de Hagel para Tiamat, iniciou-se um processo de declínio que terminou com o fim da banda.
Em 2010, porém, a maré mudou. Os Sorcerer voltaram a ficar juntos, com o festival Hammer Of Doom não sendo totalmente inexplicável por isso. Desde então, a banda vem lançando álbuns regularmente e tem um próximo destaque na manga com 'Reign of the Reaper'.
Até agora a banda se tornou uma força elementar no metal e pode-se ficar curioso se os Sorcerer serão capazes de manter o nível altíssimo do antecessor 'Lamenting of the Innocence'. Já na primeira audição fica claro que este trabalho dá certo. 'Reign of the Reaper' é ainda um pouco mais poderoso, com a banda se apresentando ainda mais madura.
Os Sorcerer sentem se em casa no tradicional heavy metal e o quinteto mostrou com as músicas 'Reverence' onde suas raízes musicais podem ser encontradas. Black Sabbath , Rainbow , Ozzy Osbourne e Saxon , são bandas que influenciaram a sonoridade dos Sorcerer. Se tu ouvires 'Thy Kingdom Will Come', por exemplo, poderás ver um certo paralelo com os lendários Rainbow. Mesmo assim a banda trabalha com muita originalidade o que faz da música um verdadeiro destaque.
Com 'Morning Star' o álbum também tem uma abertura pulsante. Começando com um ritmo de marcha, a música acaba sendo um riff épico que não poderia ser melhor na pole position de um álbum como este. A faixa-título é outro hino que se move em algum lugar entre o anterior Rainbow e o doom metal. Com um andamento mais lento, a música valsa implacavelmente para frente e cativa na primeira audição.
Mais calmo e épico chega 'Eternal Sleep'. A faixa tem tanta profundidade que fascina imediatamente o ouvinte. Mesmo que momentos mais calmos e barulhentos apertem as mãos, 'Eternal Sleep' permanece em reinos bastante moderados e impressiona com sua melancolia embutida.
'Curse of Medusa' com seu refrão irresistível também está imediatamente na mente do ouvinte e é 'The Underworld' que faz do headbanging uma obrigação. Mais lento e em campos sombrios vagueia 'Break of Dawn'. A música é o final épico de um disco com o qual os Sorcerer conseguiram superar o já excelente antecessor. De uma forma brilhante, os Sorcerer representam o metal tradicional da velha escola que, no entanto, se adapta aos dias de hoje. 'Reign of the Reaper' - um álbum com pesquisas de 10 anos.